GRAFICA: aspetti napoletani

a cura di Domenico Natale

 

Il paesaggio culturale napoletano, così come quello naturale, non si può percepire, comprendere e riconoscere nella sua più profonda realtà se lo sguardo non è disposto ad errare tra l'orografia di un territorio continuamente variabile, nel quale il dirupo che si apre improvviso nella massa tufacea o lavica relaziona immediatamente con le infinite varianti morfologiche di una linea costiera a ridosso della quale la geografia evidenzia spaccati antropologici enormemente differenziati, ma pur parte di una sola realtà: il paesaggio napoletano.

Se l'occhio e la mente si soffermano anche su di un solo metro quadrato di questo estesissimo territorio, lo sguardo superficiale non basta a percepirlo nella sua verità: memorie storiche sommerse legano in un tutto organico il mare, ad esempio, alla conformazione dei nuclei urbani ed alle sue forme sociali ed economiche; i quartieri, già connotati dalle stratificazioni dei millenni e dei secoli, si prolungano nelle cavità sotterranee e si arrampicano sulle colline cittadine segnando ad inferos e ad superos la propria specificità antropo-culturale.

Un territorio così non può che sviluppare una cultura e un'arte ad esso simile; l'indagine sull'identità partenopea esclude omologazioni preventive e sintesi troppo rigide. Essa, invece, è tanto più reale quanto più si apre alla diversità e al confronto, trovando nella coralità la sua unica verità.

La mostra “Grafica: aspetti napoletani “, organizzata dalla rivista Arte & Carte per l'Istituto Superiore di Design di Napoli in occasione del G7, e sorretta da un punto di vista critico proprio dalla messa in evidenza delle relazioni nella diversità che le poetiche e i linguaggi instaurano a partire da una specificità etnografica, si pone, quindi, come metafora del più vasto territorio artistico napoletano, dove la creatività viene tanto più esaltata nei suoi contenuti immaginativi e semantici quanto più relaziona, e proprio polifonicamente, con le infinite sfaccettature di una realtà che perfino nella parlata dialettale per essere espressa ha bisogno, tra Pozzuoli e Sorrento, di molte variazioni lessicali e fonetiche.

Per questo hanno preso parte alla mostra artisti tra loro assolutamente differenziati, come Gerolamo Casertano, Laura Cristinzio, Gianni D'Anna, Gerardo Di Fiore, Gianni De Tora, Nunzio Figliolini, Imma Indaco, Franca Lanni, Rosa Panaro, Tony Stefanucci, StudioRotella, Pasquale Truppo.

Il senso di una vitalità dionisiaca, viene espressa dalle gioiose e fantastiche invenzioni geometrizzanti di Gerolamo Casertano, che coniugano un sottile rimando onirico con l'evidenza di un immaginario connotato dall'estroversione, nel quale l'eredità colta dei segni adoperati viene temerariamente giocata in uno slancio vitalistico nell'atmosfera di una più popolareggiante Edenlandia. Nelle sue opere un motivo centrale nella composizione, particolarmente rilevante per valenze formali e cromatiche, attira nella sua orbita e determina l'assetto spaziale di un fantasmagorico mondo di segni ostentati dall'immediatezza dei colori primari e complementari.

Più riflessive nella loro intellettuale compiutezza comunicativa le opere di Laura Cristinzio, nelle quali come autodichiarata volontà beneagurante per il G7, sette snelle forme in progressione si compongono in un ideale monumento sospeso tra cielo, terra e mare come un polo che attiri e rimandi nel teso dinamismo dei segni, una rinnovata energia magnetica e, come un cuore, leghi la pulsione esistenziale dell'artista alla sua città e da questa si irradia nell'Universo nel segno della creatività.

Gianni D'Anna propone invece una visione della realtà naturale caratterizzata dalle nuove leggi delle nuove teorie del caos e della geometria frattale. I suoi eleganti elementi stellari ispirati all'autosomiglianza ed all'invarianza di scala, colgono aspetti della trasformazione del segno originario in un processo caotico indotto da infiniti cambiamenti autosimili a livello locale, che, in una danza di reazioni, finiscono per travisarne l'aspetto originario senza tuttavia annullarlo completamente.

La rivisitazione disincantata del mito classico ispira Gerardo Di Fiore, che nella materialità tecnologica della gomma piuma trasferisce ironicamente il desiderio di una ideale restaurazione, nella nostra epoca, della perduta memoria di valori etici ed estetici ontologicamente connessi ad una apollinea civiltà artistica. Nella sua fascinosa opera l'intento certamente provocatorio di elevare la gommapiuma anche a medium grafico di elevata potenzialità espressiva, raggiunge un pieno concepimento nella nettezza dei segni, nel gioco chiaroscurale delle stratificazioni, nella sapiente definizione di forme appena ritoccate, con squisito sapore arcaizzante, da sottili notazioni cromatiche che accentuano il nitore dei bianchi e i valori spaziali dell'insieme.

Ancora la geometria, ma questa volta nella esemplare chiarezza di una composizione euclidea esaltata dal contrappunto calibrato di pochi elementi cromatici nelle tinte primarie, sostiene le modalità stilistiche proprie della ricerca che da anni Gianni De Tora conduce con appassionata coerenza. Nelle opere esposte, un tracciato di segmenti percorre la scansione ritmica delle partiture e, con le sue deviazioni improvvise, estende i significati dell'opera in un territorio culturale che travalica la stessa geometria.

Gli stati di trasformazione della materia i momenti in bilico tra la solidità dei volumi e la fluìdità dei liquidi in un impianto segnico dal godibile richiamo naturalistico, interessano le raffinate grafiche di Nunzio Figliolini realizzate nelle tecniche dell'acquatinta, dell'acquaforte e della puntasecca.

Aggressive e inquietanti, invece, appaiono le incisioni di Imma Indaco. Il gesto espressionista che sulla lastra ricava con violenza siluette antropomorfe stagliate su di un campo visivo segnato da graffiti infantili, e che la stampa riproduce nella violenta positività degli inchiostri, riceve una ulteriore valenza drammatica dal contrasto bicromatico che mima, tra il gioco e l'angoscia, l'ombra come il proprio doppio.

Franca Lanni affida alla computer graphic e a successivi preziosi interventi manuali il suo desiderio di ricostruire sul foglio la matericità di porzioni di elementi fitomorfici colti nell'intrigo magmatico di un loro possibile habitat. La griglia informale che sorregge queste costruzioni si espande, poi, nella sensualità di preziose texture che suggeriscono, più che illustrare, i microcosmi poetici dai quali derivano.

Due serigrafie testimoniano poi l'impegno di Rosa Panaro nell'affermazione di una cultura femminista rivendicata nelle sue radici antropologiche e politiche lungo un arco di tempo che la stessa datazione delle opere, anni '70, definisce ormai come storico.

Esse diventano quindi, tanto più provocatorie, in quanto simbolicamente ripresentate in una occasione nella quale i postulati delle sue tematiche auspicano, anche nei colloqui del G7, una loro concreta risoluzione.

La grafica di Tony Stefanucci riconduce alla sua attività prevalente di scenografo attento ad una rimeditazione culturale, oltre che storica, del tessuto cittadino. Egli coglie, infatti, con l'immediatezza dello schizzo realizzato a larghi tratti con padronanza espressiva, gli elementi caratterizzanti gli scorci del panorama urbano, sui quali la memoria e l'invenzione dell'artista completa l'ambientazione e la giusta atmosfera.

L'equipe dello StudioRotella trasporta in un immaginario ad estesissimo orizzonte semantico la voluta, apparente evidenza iconografica della figuratività. In realtà le immagini prodotte sono il frutto di un sofisticato processo tecnologico che prevede l'ingrandimento al microscopio elettronico di un tessuto biologico, la sua fotografia ed una scannarizzazione al computer che evidenzi le griglie strutturali.

Questi passaggi, attraverso i quali l'immagine perde i suoi significati originari sgranandosi nell'elaborazione dei vari ingrandimenti e nella loro riduzione a pura struttura, permettono al grafico di disporre di un patrimonio di segni da riutilizzare, proprio per la loro ambiguità, in altri contesti visivi completamente estraniati da quello originario. Gli interventi manuali e l'uso dell'aerografo, utilizzati per creare ulteriori valenze estetiche nell'insieme segnico e cromatico dell'immagine, accrescono le sue potenzialità evocative.

E' così che le due opere presentate, liberamente ispirate a fotografie scientifiche di G. Tajana, trasferiscono i loro significati dallo studio dei tessuti umani ad una ipotetica conquista spaziale in nome della Comunità Europea e a un particolare di un prato nel quale si riposa una mantide religiosa.

Un'atmosfera romantica, infine, imbeve l'opera di Paquale Truppo realizzata con la morbida pastosità dei pastelli a cera. Una figurina vagamente antropomorfa emerge da un groviglio di segni connotati da accensioni di grigi chiari nel nero prevalente, di verdi, blu, arancioni e gialli quasi come in un vago paesaggio boscoso.

Un'abbagliante traccia gialla delimita in alto una zona dove i segni si schiariscono e si diradano originando nuove spazialità che rallentano, anche psicologicamente, l'angosciante espandersi dei minuti grovigli segnici.